Ndërsa Galeria Kombëtare e Portreteve përgatitet për rihapjen e saj madhështore këtë javë, kritikët, artistët dhe kuratorët zgjedhin veprat e tyre të preferuara nga 500 vjet portrete. Nga Adrian Searle, Rianna Jade Parker, Nicholas Cullinan, Alison Smith, Chloë Ashby, Jonathan Jones, Aindrea Emelife, Skye Sherwin, Stuart Jeffries, Claire Armitstead, Eliza Goodpasture, Katy Hessel, Hannah Clugston dhe Oliver Basciano
Autoportreti i Vuajtjes nga Ibrahim El-Salahi, 1961
Modernisti afrikan El-Salahi studioi në Slade në Londër në vitet 1950 dhe modernizmi perëndimor ndikoi qartë tek ai. Puna e El-Salahi shpesh është thelluar në atë personale dhe këtu ne e shohim atë në një gjendje shpirtërore konfuze dhe të pasigurt. Më kujtohet goja e hapur e Scream-it të Munch-it, ose e demit në Guernica të Picasso-s, duke pasur parasysh natyrën e fytyrave si kuaj. Flokët janë të çmendur, por të rregullt, të mbështjellë dhe me rrathë të thellë, sy të pafundë koncentrikë – duke kërkuar, duke u habitur dhe duke ngulur sytë disi nga ne dhe në humnerë. Portretet në greminën e melankolisë apo të manisë janë më tërheqëse për mua. Ata janë të ndershëm dhe njerëzorë. Aindrea Emelife
Sid James nga Ruskin Spear, 1962
Ky kolazh kap si të qeshurën ashtu edhe atë të trishtuarën: se si jeta përbëhet nga aspirata madhështore dhe mjedise të vogla të çrregullta shtëpiake. Ne shikojmë komedianin Sid James në TV në Half Hour të Hancock, por gjithashtu shohim se çfarë duket si një ftesë për hapjen e një ekspozite të Henry Moore, një fletushkë CND, si dhe reklama për ilaçe kundër ftohjes, gripit dhe reumatizmës në tavolinën e kafes. Ndoshta do të qëndrojmë vetëm pranë televizorit. Alison Smith
Sadie (Zadie Smith) nga Toyin Ojih Odutola, 2018-19
Ky komision i ri do të shfaqet për herë të parë në Galerinë Kombëtare të Portreteve kur të rihapet më 22 qershor. Zadie Smith është një nga zërat më të mëdhenj letrarë të kohës sonë dhe Toyin Ojih Odutola është një nga artistët më emocionues, ndaj kjo vepër është çifti i përsosur. Është gjithashtu vepra e parë e Toyin që hyn në një koleksion publik britanik. Siç tha Smith: “Unë e di që arti i saj do të ketë një efekt të jashtëzakonshëm te të rinjtë, sepse unë jam një grua e rritur dhe ka pasur një efekt të jashtëzakonshëm tek unë. Njohja me imazhet e saj është si të më dorëzohet diçka që më ka munguar dhe e kam dashur në fëmijëri tani, si e rritur. Dhe të jem vetë një krijim i Toyin, në muret e galerisë së portreteve? Është e pabesueshme.” Nicholas Cullinan, drejtor i NPG
Bonnie Greer (“Portrait d’une Negresse”) nga Maud Sulter, 2002
Një nga portretet e mia të preferuara në Galerinë Kombëtare të Portreteve është pjesë e ekspozitës Reframing Narratives, e cila feston artistët meshkuj dhe artistet femra. Është Bonnie Greer (“Portrait d’une Negresse”), nga Maud Sulter. Kjo fotografi i bën homazh Marie-Guillemine Benoist, një artiste franceze e shekullit të 18-të, e cila ngriti lart artin figurativ të femrave me ngjyrë gjatë një kohe skllavërie. Ndërsa shikoj portretin e Sulter, nuk mund të mos shoh familjen time të pasqyruar në imazh: nënën time, hallat e mia, gjyshen. Është një përfaqësim i fuqishëm i grave që kanë formësuar jetën time. Ajo që rezonon është ndjenja e saj e rritjes dhe fuqizimit. Sulter kap thelbin e forcës femërore dhe e riimagjinon atë nëpërmjet dhënies së emrit dhe veshjes së subjektit. Ajo nënkupton rimarrjen e identitetit dhe kremtimin e femrës. Violeta Sofia, artiste dhe fotografe
Migrant Mother, Nipomo, Kalifornia nga Dorothea Lange, 1936
Disa portrete janë një dritare në shpirtrat e subjekteve të tyre. Të tjerë tregojnë historinë e një kohe ose vendi. Ky portret ikonik i Florence Owens Thompson është që të dyja. Ai është bërë një imazh gur prove i Amerikës së shekullit të 20-të, duke evokuar menjëherë shkretimin e rëndë dhe koston njerëzore të Depresionit të Madh. Lange bëri portretin, duke u shfaqur aktualisht në ‘Capturing the Moment’ në Tate Modern të Londrës, ndërsa ishte një punonjëse e qeverisë amerikane – ajo ishte një nga shumë artistet që u paguan për të dokumentuar realitetet e Depresionit si pjesë e programeve të ‘New Deal’. Pra, ndërsa kjo përcjell dëshpërimin e plotë të një nëne, është gjithashtu një kujtesë e një kohe në të cilën artistët ishin mjaft të rëndësishëm për t’u përfshirë në programin më të gjerë të mirëqenies në historinë e SHBA. Është e vështirë të imagjinohet që të merret i njëjti vendim sot – por magnetizmi i këtij portreti vazhdon. Eliza Goodpasture
Lojtarët e Dominos nga Errol Lloyd, 1986
Kur Errol Lloyd-it iu kërkua të kontribuonte në Caribbean Expressions në Britani, një shfaqje e vitit 1986 në Muzeun dhe Galerinë e Arteve Leicestershire, artisti me origjinë nga Xhamajka dorëzoi menjëherë titullin, mediumin, dimensionet – dhe më pas u përpoq të gjente subjektin. Por Lloyd nuk ishte i sigurt se ku të gjente një grup lojtarësh domino në periferinë e tij të Londrës. Më në fund ai gjeti një pijetore me klientelë kryesisht të bardhë, të cilët u drejtuan lart, ku luanin klientët me ngjyrë. Në skenën e Lloyd-it, tonet e sepisë i japin asaj një humor historik, ndërsa përdorimi i dominove aktuale shton realizmin. Të rinjtë përballen me të moshuarit në një lojë gjithsesi unifikuese. Me një lexim të afërt, ju mund të shihni se cili lojtar ka dorën me fat dhe për rrjedhojë të drejtën për të përplasur pjesën fituese në tryezë me bollëk dhe entuziazëm. Një kujtim i ngrohtë dhe një ndjenjë bashkimi për shumë indianë perëndimorë, brenda dhe jashtë vendit. Rianna Jade Parker
Një Bar në Folies-Bergère nga Édouard Manet, 1882
Më kujtohet hera e parë që pashë këtë banakiere me pamje të zymtë. Po studioja dhe ndihesha e mërzitur vetë. Gjëja që më tërhoqi ishte shprehja e saj: faqe rozë, buzë të plota, sy të rënduar. Unë u përpoqa të kuptoja se si ndihej ajo dhe u vendosa në gjendje të trishtuar, të lodhur, të mbërthyer, një lloj vetmie që mund të gërryejë edhe në një turmë. E bllokuar pas hekurit të një institucioni popullor në Paris, ajo është e parë dhe e paparë, e pranishme dhe e munguar. Për mua, portretet më të mëdha na tregojnë diçka intime dhe për veten tonë. Modelja e Manet, e quajtur Suzon, frymëzoi romanin tim të parë. Ajo ka qenë me mua që kur jemi njohur. Chloë Ashby
Ti ose Unë nga Maria Lassnig, 2005
Unë nuk kam një portret të preferuar – gjithçka varet nga rrethanat – por kjo është për të mos u humbur. Një armë në kokën e saj, një tjetër që synon shikuesin: Ti ose Unë e Lassnig është një autoportret si ngecje meksikane. E pikturuar në vitin 2005, kur piktori dhe regjisori austriak ishte 85 vjeç, kjo na fut në konfuzion. Lassnig është edhe i patrembur dhe i trembur. Ti ose Unë është i dhunshëm, i egër dhe komik, duke dramatizuar përballjen jo vetëm mes subjektit dhe shikuesit, por edhe mes piktorit dhe portretit. Është një lak pafundësie, një qark i shkurtër dhe nuk ka rrugëdalje. Adrian Searle
Autoportret në moshën 28 vjeçare nga Albrecht Dürer, 1500
Një piktor i ri nga Nurembergu e përshkruan veten në këtë kryevepër shqetësuese si një mistik i ngjashëm me Krishtin që të vështron nga sferat e çuditshme të profecive dhe depërtimit. Të gjithë ata që e shohin për herë të parë mendojnë se kjo është një pikturë e Jezusit, sepse Dürer flirton me këtë mundësi ndërsa me dashuri i detajon flokët dhe mjekrën e tij të gjatë të shenjtë dhe shkruan moshën e tij me shkronja ari: 28, jo shumë larg asaj të Krishtit kur vdiq. Por ai nuk është mesia, ai është një artist, që në sytë e Dürer-it mund të jetë e njëjta gjë. Ky është autoportreti i parë që pohoi misterin e gjeniut artistik, rrezikun melankolik me të cilin përballet artisti në një kërkim heroik për të bukurën dhe të vërtetën. Jonathan Jones
Autoportreti duke ekzagjeruar tiparet negroide nga Adrian Piper, 1981
Isha në adoleshencën time të hershme kur pashë këtë imazh tepër të mrekullueshëm. Më bëri të mendoj për portretet e lashta egjiptiane, me ata sy të përqendruar në mënyrë të mrekullueshme, që shikojnë përpara. Është interpretuar bukur vetëm me laps dhe qymyr, por kishte diçka në mënyrën se si të tërhoqën sytë – një takim psikologjik. Pastaj pashë titullin. Si një person që lexohet si i zi, por ka raca të përziera, ai solli një moment njohjeje – për trillimin e kategorive racore dhe absolutitetin e asaj që njerëzit duan të jenë gjërat. Në atë moment kur shikoja veten në atë personazh, kuptova se supozimet që disa njerëz bënë për mua nuk ishin të vërteta. Është thjesht një vizatim i vogël, i realizuar në vitin që kam lindur, por ka një fuqi të tillë. Dikush kishte krijuar një imazh që shpërtheu ashpërsinë e atyre qëndrimeve ndaj racës. U ndjeva i dëgjuar. Thomas J Price, artist dhe skulptor
Vdekja e Marat nga Jacques-Louis David, 1793
Ky është një portret i jashtëzakonshëm. Jean-Paul Marat, kryepropagandisti i Revolucionit Francez, është padyshim i vdekur, i shfaqur i goditur me thikë në vaskën me të cilën u la për të lehtësuar një gjendje të lëkurës. Është ky fokus “këtu dhe tani” që e bëri historianin e artit TJ Clark ta quante atë veprën e parë të artit modernist. Edhe pse artisti ndoshta ka punuar nga kufoma, ai përdori trope fetare dhe klasike për të hedhur agjitatorin e vrarë si një martir laik. Fundi joheroik bëhet një pietà swoon si Krishti, lakuriqësia e luftëtarëve grekë, megjithatë gjysma e pikturës është e errësirës, pa engjëjt qiellorë të krishterimit për të mirëpritur shpirtin. Është një soditje se si një njeri krijon rëndësinë e tij. Skye Sherwin
Autoportret në një kapelë kashte nga Élisabeth Louise Vigée Le Brun, 1782
Në këtë autoportret, artistja e di që ju e dini se po e shikoni atë – dhe ajo me vetëdije po ju shikon. Megjithatë, në mënyrë paradoksale, të dyja palët e dinë se ajo e bëri këtë imazh duke u parë në një pasqyrë, aq më mirë për ta kapur veten në mënyrë narcisiste. Është hakmarrja e objektit të pikturuar: një grua që e ndërton veten si të bukur sipas kushteve të saj. Ajo e përshkruan veten edhe si personifikimi i pikturës, edhe si natyrale dhe e freskët pa ndikuar: fytyrë me hije të butë, gjoks me shkëlqim, flokë pa pluhur (ndryshe nga ajo e mbrojtëses së saj, Marie Antoinette), gjoks pa korse (ndryshe nga frymëzimi i kësaj fotografie, portreti i Rubens i Susanna Lunden). E megjithatë gjithçka në këtë portret të mrekullueshëm është artificiale. Stuart Jeffries
Dy Fridat nga Frida Kahlo, 1939
“Si një fjongo rreth një bombe,” tha surrealisti André Breton për veprën e Frida Kahlo, të cilën ai e pa në Paris një vit para se ajo të pikturonte këtë, autoportretin e saj të madh të dyfishtë. Kahlo ishte në fillim të të 30-ave dhe po bëhej një personazh i famshëm ndërkombëtar, por në shtëpinë e saj në Meksikë, martesa e saj me Diego Rivera ishte shkatërruar. Dy Frida përballet me këto realitete të ndërlidhura: në të djathtë, vetja e saj meksikane me gjithë zemër ka në djep një portret në miniaturë të Rivera-s; në të majtë, Frida evropiane përpiqet më kot të ndalojë rrjedhën e gjakut nga barkushet e saj të copëtuara me pincë. Duart e tyre të bashkuara përforcojnë sfidën me të cilën ata e shikojnë shikuesin poshtë. Qëndrueshmëria e Kahlo-s përballë dhimbjes brutale emocionale dhe fizike nuk u shpreh kurrë më fuqishëm. Claire Armitstead
Pikturë e Bernardino Campi Sofonisba Anguissola nga Sofonisba Anguissola, c1559
Na shikojnë dy figura: një burrë me një kostum të errët dhe një grua me një fustan të trashë të kuq. Ai po e pikturon atë, një portret, duke diktuar pamjen e saj, ndërsa na vështron mbrapa, sytë e tij nuk e takojnë shikimin tonë, ndërsa sytë e saj të qelqtë përshkojnë pamjen tonë. Por hidhini një vështrim të dytë mbishkrimit dhe kuptoni se piktura nuk është nga ai, por nga ajo: Sofonisba Anguissola, nxënësja e tij. Ajo jo vetëm që e ka pikturuar veten një herë e gjysmë më të madhe se ai, por e ka bërë atë të pikturojë zbukurimin e xhaketës – një detyrë që zakonisht i caktohet një nxënësi. Tani shikoni edhe më afër dhe do të shihni dorën e saj të majtë – një dorë e tretë – që e drejton atë rreth kanavacës. Katy Hessel
Punonjësi i kafesë nga Candido Portinari, 1939
Ndoshta më tërheq kjo punë sepse historia e familjes së Candido Portinarit rezonon me timen: punëtorë të varfër që ikën nga Italia për një jetë më të mirë. Prindërit e tij përfunduan në një plantacion kafeje në Brazil, ku Candido lindi në 1903, dhe ku ai dëshmoi për jetën e të varfërve emigrantë dhe trashëgiminë e skllavërisë, e shfuqizuar atëherë vetëm pas dy dekadash. Kjo pikturë është veçanërisht e habitshme, jo vetëm si një portret i vështirësisë (shprehja e vajtueshme e fytyrës, tonet e jargavanit) dhe heroizmi (fiziku homoerotik, i fryrë), por edhe për portretizimin e natyrës ekstraktive të kapitalizmit kolonial në tokën e shkatërruar që rrotullohet pas punëtorit. Oliver Basciano
Si do të vdes? #2, nga Fundi: Një Meditim mbi Vdekjen dhe Zhdukjen nga Judy Chicago, 2015
Nëse portreti i lejon artistët t’i japin diçka ose dikujt pavdekësi, është intriguese që Judy Chicago vendos të përdorë mediumin për të imagjinuar veten në momentet e saj të fundit. Si do të vdes? është një seri prej tetë pikturash të Chicago në skena të ndryshme vdekjeje – në krahët e burrit të saj, të lidhur me një makinë, duke bërtitur nga dhimbja. Në këtë, artistja është e zhveshur dhe e mbështjellë në pozicionin e fetusit me “A do të largohem si kam ardhur?” shkruar sipër saj. Është e pambrojtur dhe pikëlluese, por ka fuqi në përdorimin e portreteve nga Chicago për të testuar skenarët dhe për këtë arsye për të ruajtur qëndrimin përpara një pashmangshmërie të tmerrshme. Hannah Clugston
